TANA BORISSOVA

Tana Borissova est née en 1978 à Sofia. Depuis 1997 elle vit et travaille à Paris.

Son premier saisissement artistique se produit dans l’enfance en regardant des livres d’art. Durant ses études au lycée d’Arts appliqués de Sofia, le contact avec la matière – la peinture à l’huile, l’aquarelle et le dessin – fait basculer sa fascination vers le désir de peindre. À l’âge de 19 ans, elle arrive à Paris et passe le concours de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts dont elle obtient le diplôme en 2003. Elle y a été élève de Vladimir Velickovic, puis de Dominique Gauthier.

Suit une période de latence et de recherches au cours de laquelle la peinture à nouveau prend le dessus. Le corps, ses espaces du dedans, ses interactions avec l’extérieur, avec la nature, avec l’autre, ses métamorphoses, ses mouvements, ses élans et ses contradictions cherchent l’expression dans sa peinture, au-delà de tout signe représentatif d’une époque.

En janvier 2014, Tana Borissova présente sa première exposition personnelle, Corps, à la galerie Myriam Bouagal à Paris. Se tiendra ensuite sa deuxième exposition personnelle, Ma place mon corps, de peintures et d’encres chromes, dans cette même galerie en juin 2015. En septembre 2017, elle expose à la Galerie L’Arrivage, à Troyes. À cette occasion, elle publie Corps Trait, un recueil de textes accompagnés d’encres. En mai 2019 Loo & Lou Gallery présente une sélection de ses encres et de ses peintures à la Foire internationale Just LX au Museu da Carris de Lisbonne. En février 2020, son exposition Éclats de nuit a montré ses œuvres récentes à l’Atelier de la galerie Loo & Lou.

Serge Rezvani, Repentir I AA, Huile sur toile, 195 x 195 cm, 1962/1992 © Thierry Cohen

Serge Rezvani est né le 23 mars 1928 à Téhéran, d’un père perse, danseur et magicien et d’une mère russe, violoniste et amazone.

Arrivé en France à l’âge de un an, son enfance sera de nulle part, ballottée par les souffrances d’une mère malade qui le conduiront dans d’invraisemblables pensions de Russes émigrés, où seules ses qualités précoces de dessinateur lui permettront de se préserver, d’exister en étant un peu admiré. 

Fuyant l’épouvante de cet univers carcéral, il se cache à 15 ans sous une fausse identité dans le Paris de l’occupation allemande et se réfugie dans les ateliers de l’illustre Académie de la Grande-Chaumière.  

« Je voulais vivre la peinture et non pas produire des tableaux. Je ne gardais rien de ce qui sortait de mes mains ; les dessins tombaient à terre sans que je me donne le peine de les ramasser ; pendant des mois, je peignais sur la même toile que je grattais lorsque la couche en devenait trop épaisse. J’aimais l’acte de peindre, j’aimais la vie qu’imposait l’acte de peindre, j’aimais l’extraordinaire tension qui me mettait en quelque sorte hors de moi lorsque, debout devant la toile, je n’étais plus moi mais ce qui se faisait sur la toile. »

À 17 ans, une heureuse rencontre avec Paul Eluard aboutit à la réalisation de Elle se fit élever un palais dans la forêt, livre rare, édité à 16 exemplaires, illustré des gravures de Serge et bouleversante vision prémonitoire de la merveilleuse histoire d’amour qu’il vivra quelques années plus tard avec Lula. 

Enthousiastes, dans l’esprit du nécessaire repartir à zéro de cet après-guerre, Serge et ses amis, les peintres Jacques Lanzmann, Pierre Dmitrienko, le sculpteur Raymond Mason, croient au pouvoir de l’artiste à changer le monde, à la peinture comme destinée. 

Le chatoiement de ses œuvres de jeunesse, humbles compositions à la colle de peau de lapin sur toile de jute, s’affirme parfaitement dans le cadre d’un art informel, un peu trop hâtivement baptisé Seconde école de Paris. Les succès critiques et commerciaux (expositions chez Maeght (aux Mains éblouies), sur les cimaises des galeries Arnaud, Berggrüen, Lucien Durand, Jacqueline Ranson à Paris ou, Hanover à Londres), questionnent douloureusement Rezvani sur son rapport à la peinture. 

Ayant fait sien le mot de Picasso, ce n’est pas ce que l’artiste fait qui compte, c’est ce qu’il est, il décide de fuir Paris et le climat irrespirable du commerce de tableaux, pour vivre avec l’amour absolu de sa vie Danièle-Lula, rencontré en 1950. 

C’est dans le massif des Maures, un continent unique au monde, un lieu refermé sur lui-même, que le couple s’installe dans une petite maison isolée, La Béate. Dans cette retraite heureuse, Rezvani assume son désir d’écart absolu, d’être à coté, de nier la société du nombre dans une quête simple et totale de vérité. Paradoxalement, sa peinture s’exprime en une angoisse profonde, relents traumatique d’un vécu brutal. Cette dualité entre tourments et joie illustre les vies parallèles d’un artiste qui s’est toujours refusé à tricher. 

Puis vint le passage du pinceau à la plume, l’isolement imposant doucement l’écriture. 

Entre-temps, Serge, sous le pseudonyme de Bassiak (va-nu-pieds en russe), avait transmis sa tendresse et son humour à travers quelques fameuses chansons (Le Tourbillon (de la vie), Ma ligne de chance…) qui firent le bonheur des cinéastes François Truffaut et Jean-Luc Godard et de leurs spectateurs et appartiennent aujourd’hui à une certaine mémoire collective. 

Les Années-Lumière (1967), Les Années Lulla (1968), Le Portrait ovale (1976) ou Le Testament amoureux (1981), livres passionnés, restituant la vie de leur auteur, comptent parmi les jalons d’une prolifique œuvre littéraire et théâtrale, Serge aimant se qualifier d’artiste pluri-indisciplinaire. Alors si la peinture s’éclipse par moments, elle ne tarde pas à revenir, car l’auteur nourri et enrichi par l’expérience de l’écriture, sait maintenant que sa main peut dévoiler ce que le cerveau ne sait pas.

Ainsi en 1971, Les horreurs de la guerre électronique, présentées lors de l’exposition Toiles sur le Vietnam à l’ARC, qui est le département contemporain du Musée d’art moderne de Paris. Ce sont de grandes toiles contre la guerre alors menée par les États-Unis au Vietnam. 

Puis la formidable série des grandes toiles peintes durant l’année 1974 et choisies pour être montrées par le tout nouveau Centre Pompidou encore inachevé, constitue une merveilleuse déclamation visionnaire, ne pouvant être conçue que comme les tableaux de quelqu’un qui écrit. 

Des lors, une interaction subtile va régir les liens entre la peinture et l’écriture de Serge. Ainsi en 1992, à la suite des Repentirs, toiles des années 1960 reprises à trente années de distance, fait écho à la publication en 1993 chez Stock [des] Repentirs du peintre. Pluri-indisciplinaire ! 

Cette dualité féconde, apaisée et domptée, trouve un de ses ultimes et sublimes échos dans les Réserves, initiées à la fin des années 1990, peu de tant avant la disparition de Lula en 2004. 

J’ai écrit comme j’ai peint et j’ai peint comme j’ai écrit, nous dit Serge Rezvani, homme libre, qui a toujours su refuser de vivre ce que je ne veux pas pour vivre ce que je ne sais pas. 

EXPOSITIONS (Extraits)

1947
Groupe « Les Mains Éblouies »
Galerie Maeght – Paris

1948
Groupe « Les Mains Éblouies »
Galerie Maeght – Paris

1949
Groupe « Les Mains Éblouies »
Galerie Maeght – Paris

1950
Galerie M.A.I. – Paris

1951
Galerie Arnaud – Paris

1953
Galerie Berggrüen – Paris

1955
Galerie La Licorne – Bruxelles
Galerie Kléber – Paris

1957
Galerie Diderot – Paris

1959
Galerie Lucien Durand – Paris

1960 
Galerie Lucien Durand – Paris

1961
Hanover Gallery – Londres

1964
Galerie Saint-Germain – Paris
Galerie Cavalero – Cannes

1966
Galerie Jacqueline Ramson – Paris
Galerie Cavalero – Cannes

1969
Galerie Cavalero – Cannes

1971
« Les horreurs de la guerre électronique »
Musée d’Art Moderne – A R C – Paris

1975
« Les plages »
Centre Georges Pompidou (Centre Culturel du Marais) – Paris

1987
OEuvres abstraites de 1947 à 1952
Galerie Callu Mérite – Paris

1988
OEuvres abstraites de 1947 à 1952 – 2ème partie
Galerie Callu Mérite – Paris

1994
« Repentirs » et « Blanches »
Galerie Lucie Weill & Seligmann – Paris

1999
« Donna »
Galeria del Leone – Venise

2012
« Ils croient jouer au football… » 
Galerie Guillaume – Paris

Collections

LaM -Villeneuve d’ascorbique
Musée de Nantes
Musée de Saint Etienne
Centre Pompidou

Vitraux

Église Sainte Anne – Saint-Nazaire
Église Saint Nicolas – Oye-et-Pallet

Bourgogne-Franche-Comté

MARK POWELL

Né en 1980 à Leeds (Royaume-Uni). Vit et travaille à Brighton (Royaume Uni).

Issu d’un milieu pauvre, Mark Powell commence à travailler vers l’âge de 11 ans afin d’acheter nourriture et vêtements, et de contribuer à payer le loyer du logis familial. Après avoir exercé quantité de petits emplois, il se forme à l’université nationale anglaise de Huddersfield pendant trois ans, étudiant le dessin et la peinture – il en sort diplômé en 2006. Sur des papiers anciens et/ou usagés – enveloppes, cartes routières, plans de métro, cartes à jouer, feuilles de journaux –, l’artiste dessine exclusivement à l’aide d’un stylo bille (Biro), « le plus simple et le plus facilement disponible à portée de main ». L’artiste, chez qui le portrait est l’exercice majeur affirme :  « L’individu est une chose fascinante, d’intrigues et de cicatrices. Je rejette une société nourrie d’images de perfection. ». Son sujet veut interpeller notre perception commune de « beauté acceptable ». Il s’agit ici de transcrire moins l’aspect physique qu’une présence jugée  « éclat du vrai ». Cette notion de beauté n’est jamais à appréciée selon une quelconque échelle esthétique, elle n’est pas non plus à situer dans un idéalisme, mais à considérer dans un réalisme poétisé. Par sa restitution visible de vérités vécues, elle est chez Mark Powell une définition matérialisée de « la beauté du monde ». L’artiste expose aux États-Unis, en Europe et en Angleterre.

– Texte Anne Richard / HEY! modern art & pop culture (Extrait du catalogue de l’exposition HEY! Le Dessin, 2022)

EXPOSITIONS

2019
Group shows Hang Up Gallery, Londres, Angleterre
2018
Hang Up Ten Hang Up Gallery, Londres, Angleterre
2017
Justanothergallery, San Diego, États-Unis
2016
Solo show Castle Galleries Mayfair, Londres, Angleterre
3 man show avec Shepard Fairey Subliminal Projects, Los Angeles, États-Unis
Solo show Moniker Art Fair, Londres, Angleterre
2015
Solo show Graham Baker Gallery, Londres, Angleterre
2011 à 2014
The Other Art Fair, Londres, Angleterre

SYLC

Née en France en 1973 et diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure d’Arts Appliqués et des Métiers d’Arts Olivier de Serres à Paris. Vit et travaille en Vallée de Chevreuse (78), à quelques kilomètres de Paris.

De la peinture au dessin, en passant par la sculpture, l’artiste plasticienne SylC place l’Homme au centre de son propos. Fortement teintée d’onirisme, son œuvre révèle notre identité véritable, nos paradoxes, nos dualités… En associant fréquemment l’Humain à l’animal ou au végétal, l’artiste met en lumière les liens tissés entre les êtres et ceux que nous entretenons avec la nature ; elle met en avant l’hybridation et la métamorphose, symboles de la complexité de nos personnalités, mais aussi de l’adaptation, du renouveau et de l’évolution perpétuelle de notre identité. Les corps sont traités avec délicatesse et transparence comme pour mieux détacher l’âme de l’enveloppe corporelle. SylC s’intéresse aussi au passage délicat de l’enfance au monde adulte, à la perte d’innocence qui en découle, à notre construction progressive en tant qu’individu.

Comme pour nous éveiller davantage, l’artiste joue délicieusement avec nos sens en utilisant l’espace existant entre le spectateur et l’œuvre tel un révélateur. Elle cherche ainsi à faire naître en nous des sensations et des perceptions intimes, faisant émerger des émotions et des sentiments profonds qui nous rendent soudainement si Humain…

Par ce biais, SylC fait appel à notre inconscient et dévoile ce qui ne se voit pas. Son travail s’attache à remonter jusqu’à l’origine des choses, à un voyage jusqu’à la source où s’entrechoquent le dicible et l’indicible. Derrière les visions éthérées et fantasmagoriques de SylC se décèle pourtant une certaine réalité. Mais l’artiste nous incite dans la lecture de son œuvre emplie de mystères à regarder plus loin, nous encourageant à découvrir de nouveaux territoires, infinis, et encore inconnus de notre perception.
 
SylC collabore avec des galeries en France, en Europe et aux USA. À partir du début des années 2010, l’artiste consacre une grande partie de son travail à plusieurs projets thématiques ; en émergeront les séries : Mothers, La ronde des chiens fous, Le parfum des saisons, Human Birds, Osmose(s), Avec ou sans cavalier, Deep into the Wild et Reflet(s).

A l’invitation d’institutions publiques, son travail a été présenté dans le cadre d’expositions monographiques, notamment à la Chapelle et au Cloître des Dames Blanches (Ville de la Rochelle), à la Chapelle des Jésuites (Ville de Chaumont) ou encore au Château d’Eau (Ville de Bourges).
Présente dans des collections publiques (FDAC de l’Orne, Villes du Mans, de la Rochelle, de Maisons-Laffitte, de Guyancourt) et privées, SylC est lauréate de nombreux prix en Suisse et en France, dont deux décernés par la Fondation Taylor. Quatre monographies ont été publiées sur ses travaux au cours des dernières années.

EXPOSITIONS

2024
Reflet(s), Loo & Lou Gallery, Paris, France
Un autre monde, Centre André Malraux, Le Pecq, France
2023
Présence(s), Conseil départemental de l’Orne, Alençon, France
Galerie Paragone, Bergues, France
The Artistic red dot Gallery, La Saunerie, Parcé-sur-Sarthe, France
Comparaisons, Grand Palais Éphémère, Groupe « Résonances intérieures »
2022
Supplément d’âme, Mairie de Bordeaux, cour Mably, Bordeaux, France
2021
Les liens subtils, Galerie Openbach, Paris, France
Art Fair Lyon Art Paper, Lyon, France
Chapitre(s), Natacha Dassault Art Gallery, Paris, France
A season in Naxos III, Petalouda Art Gallery, Naxos, Grèce
2020
Collection du FIAA – Fonds international d’art actuel, Le Mans, France
A season in Naxos II, Petalouda Art Gallery, Naxos, Grèce
2019
Poésie, Galerie Estelle Lebas, Lille-Haubourdin, France
Art Fair Lyon Art Paper, Lyon, France
Avec ou sans cavalier, Centre Ianchelevici, Maisons-Laffitte, France
A season in Naxos I, Petalouda Art Gallery, Naxos, Grèce
Art Fair Lille Art Up, Galerie Audrey Marty (Saint-Mal0), Lille, France
2018
Osmose(s), Galerie Olivier Rousseau, Tours, France
Résonance(s), Galerie d’art actuel socles & cimaises, Nancy, France
2017
Works on paper, Galerie Audrey Marty, Saint-Malo, France
Humanimale, Chapelle des Jésuites, Chaumont, France
Ethereal Visions, Art in Gstaad Gallery, Gstaad, Suisse
2016
Gosti & SylC, Galerie Au-delà des apparences, Annecy, France
Human birds, Espace Saint-Pierre, Avallon, France
SylC, Hall Spassov Gallery, Seattle, États-Unis
Invitée Puls’art, Pavillon Monod, Le Mans, France
Le parfum des saisons, Chapelle des Ursulines, Lannion, France
2015
Trois expositions dans la ville, Chapelle des dames blanches, Cloître des dames blanches & Hôtel de Ville, La Rochelle, France
La ronde des chiens fous, Le Château d’eau, Bourges, France

Flo Arnold, Installation, papier hydrofuge sur laiton gainé, led, 600 x 340 cm, 2018 © Flo Arnold

FLO ARNOLD

Flo Arnold est née en France et a grandi en Côte d’Ivoire, Cameroun et Algérie et Maroc. Elle vit et travaille entre le Maroc et la France. Citoyenne du monde, elle nourrit de manière métaphorique ses sculptures de ses rencontres. Elle a eu de nombreuses expositions individuelles en France et à l’étranger, elle a notamment participé à la Biennale de Marrakech en 2014 et en 2016 ; à la Loo & Lou Gallery à Paris en 2018. Elle a aussi présenté avec Loo & Lou Fondation en 2018 l’installation monumentale “Le Secret des signes” pendant “Nuit Blanche” à l’Eglise de Saint Paul à Paris. De plus, elle a montré ses œuvres lors d’expositions collectives, à la Fondation Pierre Berger et à l’Institut du Monde Arabe en 2013 ; au Musée de la Palmeraie, à Marrakech, en 2014 ; à l’Institut Bernard Magrez, à Bordeaux, en 2017, entre autres…

Son métissage culturel, élément constitutif de son travail, s’est forgé grâce à de nombreux voyages et séjours à l’étranger, en Afrique, en Europe et aux États-Unis. Ses installations témoignent de ce nomadisme existentiel : ses gestes sont le résultat de son parcours. Elle a participé en 2016 à la Biennale de Marrakech, durant laquelle elle a exposé au Musée de la Palmeraie, pour la première fois, ses installations en papier hydrofuge sur laiton gainé.

Ses créations sont parfois accompagnées de lumière et/ou de sons. Le matériau utilisé, le papier hydrofuge blanc, suggère l’éphémère et la fragilité, mais aussi une forme d’évanescence soulignée par leur apparente lévitation. Les sculptures de Flo Arnold flottent ainsi dans des espaces qui ouvrent à la pensée, à la spiritualité, au voyage intérieur.

“Ma vie est une histoire de terre et de rencontres, mon identité « citoyenne du monde ». Mon enfance m’a influencé dans ma recherche artistique, toujours en mouvement, changeant de pays, de maison, de culture. J’ai beaucoup appris des autres.”

Flo Arnold a réalisé pour l’Atelier une installation in-situ, Vertige du Monde. Cette germination de flux organiques en papier rétro éclairés, sonorisée, vient dévorer l’espace telle une végétation luxuriante. L’architecture du lieu disparaît sous une cascade immaculée. La plasticienne a souligné que chacun d’entre nous, pour oublier le vertige du monde qui nous entoure, doit vivre dans une sphère sans frontière, sans limite, à la recherche d’une paix intérieure.
Plus récemment, son installation « le sens des mondes » a été présentée en 2023 au Festival international « Constellations » à Metz. 

Collections/Prix:

Fondation TGCC / Room Mate Collection / Premier Prix – JustMad2019 /Jardin des Arts, Ville de Marrakech/ Fondation Mamda, Rabat/ Palace Saadi, Marrakech / BMCE BANK, Maroc / Société Générale, Maroc / CNIA Assurances / San Francisco Food Bank / Le Palais Royal, Maroc / Musée de la Palmeraie, Marrakech

EXPOSITIONS

2023
Mon Maroc « Je croyais rêver », E. Delacroix, Loo&Lou Gallery, Paris, France
Constellations / Art & Jardins / Portes des Allemands, Metz, France
Fondation TGCC, Casablanca, Maroc
Galerie Abla Ababou, Rabat, Maroc
2022
Abcynth galerie, Lille, France
Palm beach Modern + Contemporain, Bogena Gallery, Miami, États-Unis
International Paper Art Biennial, Haacht, Belgique
Art Fair, AquilalunaGallery, Bruxelles, Belgique
2021
Château de Montaigu, 6 weekends d’Art Contemporain, Nancy, France
Galerie Bogena, Saint-Paul de Vence, France
Galerie Thema, Casablanca, Maroc
Galerie Aquilaluna, Dalhem, Belgique
Galerie Christine Colon, Liège, Belgique
Galerie Abla Ababou, Rabat, Maroc
2020
ARTPARIS Bogena Galerie, Grand Palais, Paris, France
Art Fair JustMad, Loo&Lou Gallery, Madrid, Espagne
Les Nébuleuses, Mairie de Guyancourt, France
2019
La Transparence des Choses, Le Prieuré de Pont Loup, Moret sur Loing, France
ARTPARIS, Grand Palais, Loo&Lou Gallery, Paris, France
Galerie La bel FRICHE, Nogent-le-Rotrou, France
Art Fair JustMad, Madrid / Loo&Lou Gallery, Espagne
2018
Galerie Noir sur Blanc, Marrakech, Maroc
Nuit Blanche, Fondation Loo&Lou / Mairie de Paris, France
Loo&Lou Gallery, L’Atelier, Paris, France
Le Clos des Cimaises, St Georges du Bois, France
Galerie Abla Ababou, Rabat, Maroc
Organic, Gallery Aquilaluna, Knokke le Zoute, Belgique
2017
Exposition, Galerie 6.4, Marrakech, Maroc
Macparis, exposition collective, Bastille Design Center, Paris, France
Un pas de côté, exposition collective,Église des Célestins, Avignon, France
Never Give Up, exposition collective, Institut Bernard Magrez, Bordeaux, France
Effleurage, exposition collective, Espace Souffle, Casablanca, Maroc
2016
Les instants vidéo. État d’urgence poétique, Friche la belle de mai, Marseille, France
No boundaries, Galerie 29, Évian, France
Biennale de Marrakech, Musée de la Palmeraie, Marrakech, Maroc
Invitée d’honneur, exposition collective, Fauv’Art, Ferney Voltaire, France
Exposition collective, Galerie Arielle d’Hauterives, Bruxelles, Belgique
2015
Songe de matières, exposition de sculptures, Galerie d’art Espace Expressions CDG, Rabat, Maroc
2014
Biennale de Marrakech, Galerie Yahin & Boaz, Marrakech, Maroc
Insoumission, Musée de la Palmeraie, 2ème forum international des droits de l’homme, Marrakech, Maroc
Pop Up, Vogelsang Gallery, New York, États-Unis
2013
Exposition, galerie du Saint James, Bordeaux, France
SYRIART, Fondation Pierre Berger, Institut du Monde Arabe, Paris, France
2012
Galerie Noir sur Blanc, Marrakech, Maroc
2011
Galerie Loft Art, Casablanca, Maroc
Biennale de Marrakech, Galerie Marie Vitoux, Paris, France
2010
Biennale de Marrakech, Galerie Loft, Casablanca, Maroc
2009
Exposition, Galerie Loft Art, Casablanca, Maroc

Collections
Fondation TGCC
Room Mate Collection
Premier Prix JustMad, Madrid
Jardin des Arts , Ville de Marrakech
Fondation Mamda, Rabat
Palace Saadi, Marrakech
BMCE BANK, Maroc
Société Général, Maroc
CNIA Assurance
San Francisco Food Bank
Le Palais Royal, Maroc
Musée de la palmeraie, Marrakech

FLO ARNOLD

Vertige du Monde
Exposition du 26.04.18 au 09.06.18
VIDEO : Montage de l’exposition Vertige du Monde

Collision, huile sur toile, 146 x 114 cm, 2018, © Christophe Miralles

Christophe Miralles

Christophe Miralles est un artiste franco-espagnol, il vit et travaille entre la Bourgogne et Casablanca. Il a reçu plusieurs prix artistiques tel que le Prix Azart en 2005. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions monographiques en France comme à l’étranger, intégrant plusieurs collections.

De sa rencontre avec le Maroc, on peut noter des influences entre les deux rives de la Méditerranée, qui dès lors ne cessent de se télescoper. La peinture espagnole du Siècle d’or a sans aucun doute scellé son rapport à la lumière.

Des figures humaines suspendues dans le vide hantent ses toiles laissant transparaître un sentiment d’inquiétude et une certaine nostalgie. La combinaison de formes simplifiées et de nuances subtiles de couleurs permet de donner à ses peintures un aspect intemporel où la matière reste le sujet central.

Christophe Miralles propose une série de peintures à l’huile, de papiers et de laques qu’il a regroupé en avril 2018 à la galerie Loo & Lou sous le titre de Territoire Unique. Il nous parle d’humanité, de voyage, de tolérance. La couleur brûle ses toiles, enflamme l’espace et puis la cendre vient se déposer sur ses grands papiers noirs. Une peinture ancrée dans l’instant de notre société contemporaine. Un territoire qu’il souhaite unique pour tous.

Prix :

Grand prix Claire Combes, Fondation Taylor / Grand prix Azart / Prix Charles Oulmont – Mention du jury

EXPOSITIONS

2023
Mon Maroc « Je croyais rêver », E. Delacroix, Loo&Lou Gallery, Paris, France
Galerie Ories, Lyon, France
Galerie Point Rouge, Saint Rémy de Provence, France
2022
Art Fair JUSTMAD Madrid avec Loo&Lou Gallery, Madrid, Espagne
2021
Galerie Aquilaluna, Dalhem, Belgique
Galerie Crid’Art, Metz, France
2020
Galerie Marie Vitoux, Paris, France
2019
Galerie Noir sur Blanc, Marrakech, Maroc
Le Prieuré de Pont Loup, Moret sur Loing, France
Art Fair JUSTMAD Madrid avec Loo&Lou Gallery, Madrid, Espagne
2018
Galerie Thema, Casablanca, Maroc
Galerie Danielle Bourdette, Honfleur, France
Loo&Lou Gallery, Paris, France
Galerie Le Clos des Cimaises, St Georges du Bois, France
Galerie Crid’Art, Metz, France
2017
Effleurage, Espace souffle, Casablanca, Maroc
Exposition collective, Thema Gallery, Casablanca, Maroc
2016
Exposition, Marie Vitoux’s Gallery, Paris, France
Exposition, Bresson Gallery, Béziers, France
Exposition, Collection (1.0), Charnay, France
Biennale de Marrakech, BAB, Marrakech, Maroc
Prix Tony Tollet, exposition collective, Ecully, France
Biennale de Cachan, Cachan, France
Exposition collective, Centre d’Art Contemporain, Serviès en Val, France
Exposition collective, Dar El Kitab Gallery, Casablanca, Maroc
Exposition collective, Soart Gallery, Casablanca, Maroc
2015
Exposition, Melting Art Gallery, Lille, France
Art up, Foire d’art contemporain, Lille, France
Exposition collective, Chantal Mélanson Gallery, Annecy, France.
Exposition collective, Dar El Kitab gallery, Casablanca, Maroc
Exposition collective, Egregore Gallery, Marmande, France
BAB draw, Gueliz, Marrakech, Maroc
Exposition collective, Crid’Art Gallery, Metz, France
2014
Exposition, Marie Vitouxgallery , Paris, France
Exposition, Christine Colon Gallery, Liège, Belgique
Exposition with Flo Arnold, espace Chapelle Saint Avoye, La Clayette, France
Biennale de Marrakech, Yakin&Boaz Gallery, Marrakech, Maroc
Insoumission, Musée de la Palmeraie, Marrakech, Moroc
Exposition collective, Danielle Bourdette Gallery, Honfleur, France
Exposition collective, Martine Ehmer Gallery, Bruxelles, Belgique
Exposition collective, Dar El Kitab Gallery, Casablanca, Maroc
Biennale de Marrakech, Yakin&Boaz Gallery, Marrakech, Maroc
Genèse, Exposition collective, Fondation Taylor, Association Rémanence, Paris, France
2013
Les Arts en balade, invité d’honneur, Chapelle de l’Hôpital, Clermont Ferrand, France
Exposition, gallery St James, Bordeaux, France
Palindrome, exposition avec Florence Arnold, galerie Yakin&Boaz, Casablanca, Maroc
2012
Exposition, Marie Vitoux Gallery, Paris, France
Exposition, Didier Bresson Gallery, Béziers, France
Exposition, Danielle Bourdette Gallery, Honfleur, France
Exposition, Le Soleil sur la plage Gallery, Lyon, France
Exposition, Le Clos des Cimaises Gallery, St Georges du Bois, France

Justa, 2019, Bois de chêne polychromé, 300 x 170 x 120 cm © Cedric Le Corf

CEDRIC LE CORF

Lydie Arickx

Peintre et sculptrice, Lydie Arickx est née en 1954 à Villecresnes de parents d’origine Flamande. Après des études (1974-1978) à l’École Supérieure d’Arts Graphiques de Paris (ESAG), introduite par Roland Topor, elle obtient sa première exposition personnelle en 1979 à la galerie Jean Briance (pastels et huiles).

Dès le début des années 1980, elle participe à des évènements internationaux comme la foire de Bâle, la FIAC ou Art Paris. En 1988, l’artiste présente son travail en Belgique, en Suisse, en Allemagne, aux Pays-Bas puis en Espagne et aux États-Unis (première exposition présentée par Amaury Taittinger à New York aux côtés de Francis Bacon). En 1991, elle s’installe dans les Landes où elle travaille sur de grands formats et aborde la sculpture monumentale.

En 1998, avec Alex Bianchi, ils créent le festival d’art contemporain « Les rencontres du Cadran » qui accueillera pendant cinq années consécutives plus de 80 artistes internationaux et émergents.

En 1999, pour le 800ème anniversaire de la Jurade de Saint Émilion, Lydie Arickx présente une double exposition personnelle dans le cloître et dans l’Église Monolithe.
Lydie Arickx organise régulièrement des événements culturels sur de grandes scènes nationales (Art Sénat 2001…) mettant en scène l’art contemporain et le spectacle vivant (stages de créativité pour les écoles, entreprises, )

Ses œuvres figurent dans les grandes collections publiques internationales (Musée National d’Art moderne de Paris, Centre Pompidou, Palais de Tokyo, FNAC…) et au sein de l’espace public (Hôpital Paul-Brousse à Villejuif, Centre Hospitalier Intercommunal de Créteil, IUFM de Mont-de-Marsan, MACS Saint-Vincent-de-Tyrosse, fresque pour la commémoration du centenaire des arènes de Dax en 2013…). Son atelier est considéré comme un lieu d’expérimentation à part entière dans lequel elle aime partager avec tous publics.
En 2014, elle publie aux éditions Diabase son premier manuscrit, Nous vivons.


En mai 2015, Lydie Arickx investit la Ville de Roubaix avec quatre grandes expositions en hommage à ses racines familiales dont l’une à la Piscine – Musée d’art et d’industrie et une fresque monumentale de 200 mètres de long à la Condition publique.

L’année suivante, nourrie de son expérience Roubaisienne, Lydie Arickx est invitée par le Centre des Monuments Nationaux à réaliser en direct deux performances monumentales avec une exposition dans la Grande salle des Gens d’armes de la Conciergerie à Paris et une installation à la Chapelle Expiatoire.
En 2017, pour sa première collaboration avec la galerie Loo & Lou Gallery à Paris, l’artiste imagine avec l’exposition Gravité une proposition qui se déclinera sur les trois espaces de la galerie.

En 2018, elle propose une exposition monumentale au Château de Biron, Tant qu’il y aura des Ogres, ou plus de 500 œuvres sont réalisées sur la thématique du Conte.
Elle exposera ensuite en 2019 aux côtés de Niki de Saint Phalle et d’autres artistes femmes à l’occasion de l’exposition « Créatrices – L’émancipation par l’art », au Musée des Beaux Arts de Rennes.


Son exposition Arborescences a été présentée au Domaine national de Chambord, un autre joyau architectural et historique. Arickx a utilisé différentes salles à thème pour transformer l’architecture de ce théâtre historique avec une vision transfigurée d’êtres vivants en mutation. Pour plus d’informations, veuillez cliquer ici.

ELISABETH DAYNÈS

Née en 1960 à Béziers, France, Elisabeth Daynès vit et travaille à Paris. Dès ses débuts dans l’univers théâtral, elle est fascinée par la question de l’identité et de la métamorphose. A partir des années 1990, cette passion la conduit à recréer minutieusement les corps des humains de la préhistoire, sur la base des connaissances scientifiques les plus pointues. Elle devient ainsi une paléoartiste d’envergure mondiale, avec notamment ses reconstitutions d’hommes fossiles pour le musée de Tautavel ou sa création de l’Australopithèque Lucy en 1999 pour le Field Museum, Chicago. En 2010, elle reçoit le prix John J. Lanzendorf PaleoArt Prize. En 2011, le musée de la préhistoire d’Ile-de-France lui consacre une exposition exclusive, tandis que nombre de ses sculptures d’hominidés sont inaugurées en Corée du Sud. A partir de ce travail sur les origines, elle invite le spectateur à se poser la question de l’apparence et du visage humains, aujourd’hui et dans le futur.

Aujourd’hui, l’artiste mène une réflexion sur l’identité, la signification du crâne et du visage depuis les origines, à nos jours et dans le futur. En utilisant une grande variété de format, de matière et de traitements, en reprenant et détournant les motifs du crâne, elle montre tous les visages que nous aurions pu avoir, et que nous aurons un jour, si telle est notre volonté. Le crâne est au début et à la fin de toutes choses : il est la charpente, le socle identitaire de chaque individu. Il est cette partie ou le squelette est le plus saillant.

Sa collection d’écorchés en relief, souligne les aspects d’une humanité plurielle et foisonnante. En insistant sur le moment miraculeux ou les chairs repeuplent les zones d’os, en magnifiant les muscles du visage et des regards, elle nous invite à un face à face extraordinaire avec cinq personnages en quête d’identités.

Elisabeth Daynès veut également montrer qu’à l’heure des réseaux sociaux et de l’omniprésence des images, chacun est désormais libre de s’inventer une infinité de miroirs narcissiques : la frontière est devenue floue entre le réel et le virtuel, entre l’artificiel et le naturel. Son art joue donc sans cesse avec la science, car la science fabrique une grande partie de notre imaginaire. L’apparence physique et la recherche perpétuelle de perfection est devenue aujourd’hui une obsession. Changer de nez ou de bouche pour un rendez-vous professionnel ou un diner entre amis ? Pas si surréaliste à l’heure où la technologie a pris le relais de l’évolution biologique…

ARGHAËL

« Nous, on peut changer de forme à volonté »
Eddy Holt, métamorphe dans le film Wolfen – 1981

« J’affirme avant tout le corps,
ce n’est pas une densité,
mais une forme en mouvement. »
Antonin Artaud – Cahier du retour à Paris – Décembre 1946/Janvier 1947

« La peinture exprime la grande règle des métamorphoses du monde »
Shitao – Les propos sur la peinture du Moine Citrouille-Amère – XVII^ème siècle

Parois anatomiques

Après Raw en 2016, et Skin(s) en 2017, Arghaël propose une nouvelle exposition à la Loo & Lou Gallery intitulée Métamorphe(s) où il prolonge son rapport au corps, où il accentue ses figures aériennes et surprenantes. L’artiste, tel un animal cherchant l’âme des êtres et des choses, accroché à la paroi de ses toiles, nous dévoile des corps virevoltants qui dialoguent avec les grands dessinateurs qui se sont confrontés à la puissance déterminée et sensuelle des modèles d’Egon Schiele à Bacon en passant par les corps filiformes de Giacometti et les visages organiques d’Artaud. Mais Arghaël tient à voyager ailleurs, à galoper avec les matières, à escalader une roche en lin tendu afin de restituer de cette course avec le temps une force, un assaut et une candeur non préméditée.

Il convient de revenir aux origines de l’art, à l’art rupestre, aux premières représentations où le fusain joue le rôle de cet outil incandescent, passé par le feu, qui traduit les formes rituelles de la perception. Arghaël cherche alors dans ces figures volantes et dansantes à recréer la musique anatomique des premiers temps, un concert amniotique où les corps se replient et se plient dans un cortège de chairs consumées.

Le protocole est là pour créer de l’inédit, des surprises, des accidents. L’artiste, les pieds ancrés dans la terre, est fasciné par les extrémités du corps : les pieds, les mains, les têtes. Maintenant, il s’attarde également sur les cuisses, les épaules et les hanches. C’est l’histoire d’une aventure qui part des pieds cadencés et se termine dans des têtes secouées, d’un périple au cœur des chairs afin de transcender l’anatomique. Le fond de la toile en lin reste cru tel un cri sourd, un mur écru où va se dérouler la danse vibrante des corps.

Distorsions vivantes

Les finales du fusain et du pastel doivent être tranchées et les attaques incisives. Il faut être également habile aux formes circulaires ou angulaires, droites et courbes, ascendantes et descendantes. Le fusain file de bas en haut, remonte la pente du corps, fait des circonvolutions en suivant l’unique trait qui fuse, va à gauche et à droite ; alors le dessin devient relief. Le fusain creuse et pénètre le support, brusque et résolu. Et il s’interrompt abruptement, s’allonge en oblique, comme l’eau, dévale vers les profondeurs et jaillit en hauteur comme la flamme. Toute cette énergie se déploie avec une vitesse animale, faite de torsions et d’extorsions.

Les chairs surgissent… la toile devient une nouvelle peau où s’est jouée la rencontre de l’artiste en mouvement et du modèle immobile. L’artiste est à l’horizontal à quatre pattes sur la toile pour faire tourner les chairs vives ; et le modèle stoïque regarde cette agitation vitale de l’artiste qui transforme son corps en matière brute. Il s’agit d’une transmutation des corps, d’un passage, d’un accueil. Il s’agit de toucher l’instant, de laisser place à l’accident, aux poussières ténues du fusain et des pastels qui parfois se cassent sous la pression des gestes francs de l’artiste. Il s’agit de distordre le réel et faire naître une folie de vie, un langage.

Souvent aussi en dessin une seule ligne non travaillée, un seul coup de fusain aisément donné, de manière qu’il semble que la main aille d’elle-même à son but suivant l’intention de l’artiste, démontre clairement l’excellence du geste. 

Mutations des corps

L’autre visage des dessins d’Arghaël, c’est la transformation des corps, la fusion métamorphe. Il tend à mélanger, à complexifier les figures qui évoquent à la fois l’extase et la souffrance dans un tressage paradoxal des émotions. Le corps se tord et lévite en même temps, créant un suspens, une énigme à déchiffrer. La collusion des sexes s’invite également dans cette danse alchimique. Quand il dessine le corps d’une femme, il soustrait certains éléments de sa féminité pour créer un espace intime ambigu. Arghaël provoque des duels sur ses toiles, le modèle et l’artiste, la violence et la douceur, l’homme et la femme, le faune et la nymphe, le fusain noir et les couleurs des pastels, la vitesse et la lenteur, le mouvement et le fixe, la caresse sensuelle et la blessure âpre.

Ses œuvres sont des métamorphoses initiées par une « gaieté noire », une vision vivante du monde des corps. L’artiste invite alors le visiteur à vivre la toile, à vivre, en ricochet, cette rencontre qui a eu lieu ; et ainsi, il nous offre à voir une chair nouvelle, fruit de cette mutation des corps.

Lionel Dax – Mars 2019

ANNA DE LEIDI

Anna De Leidi vit et travaille à Udine en Italie.

Adolescente, son intérêt se concentre sur l’art moderne et l’histoire de l’art. Elle décide donc de faire des études dans ce domaine. Au cours de ses études, Anna De Leidi développe une passion pour l’art du collage, les avant-gardistes du 20e siècle et les néo-avant-gardistes, qu’elle admire, s’identifiant à leur attitude politique réfractaire et à leurs manières contestataires.

Après avoir obtenu son diplôme avec un mémoire sur l’exposition Moma en 1961 “L’art de l’assemblage”, elle quitte Turin où elle vivait pour voyager hors d’Italie. À l’époque, l’Europe lui semble alors étouffante et saturée d’une histoire trop connue, et décide donc de partir très loin à la recherche d’un scénario complètement différent. De Leidi passe huit ans en Australie, période pendant laquelle elle devient indépendante et acquiert de nouvelles compétences qui manquaient à ses études. Elle choisit le domaine culinaire et travaille dans un restaurant, s’éloignant de son expérience précédente pour s’immerger dans une autre culture et en faire pleinement partie.

Lorsque le Covid-19 a frappé l’Australie et que des interdictions ont été mises en place, l’artiste est contrainte de rester chez elle à feuilleter des livres et des magazines. Spontanément elle commence à couper et coller pour créer des collages, devenant une pratique quotidienne fondamentale. Elle utilise ensuite Instagram pour rencontrer et rassembler une communauté virtuelle d’artistes du collage, et mettre en place sa propre galerie appelée “Coll_usional”, découvrant de nouvelles façons de se connecter à travers l’art à une époque d’isolement angoissant.

En 2020, la réalisation de collages lui permet d’exprimer et de redécouvrir des parties de son identité qui étaient restées en sommeil pendant plusieurs années et ont alimenté un développement personnel et artistique qui l’a finalement conduit à décider de retourner en Italie.

Le processus créatif est assez simple et commence généralement par une intuition : la sélection instinctive d’une image, souvent une figure humaine, et se développe en associant des formes et des couleurs à cette image de base, souvent en relation avec des paroles de musique ou d’autres phrases qui reviennent sans cesse dans sa tête lorsqu’elle coupe et colle, et qui deviennent une obsession. Le résultat de la composition n’est pas vraiment prédéterminé, mais il se déploie et trouve son flux au fur et à mesure qu’elle avance. À travers une scène particulière, qui comporte souvent certains niveaux de références personnelles, elle essaie de transmettre le sens de la signification universelle des expériences humaines.

Depuis son retour en Italie, Anna De Leidi s’est principalement concentrée sur l’activisme de base et les pratiques de d.i.y.. Elle a contribué à divers magazines de collage, imprimés et en ligne, et co-fondé un collectif de collage appelé Arto. Sa plus grande réalisation artistique jusqu’à présent a été l’exposition de ses oeuvres dans une exposition collective intitulée “A Visual Culture” (24 mars 2021 – 4 avril 2021) à la galerie Van Der Plas, située à New York. 

Tanc

Tanc est né en 1979 à Paris, où il vit et travaille. Tanc a déjà exposé à travers le monde. Ce qui le caractérise, c’est l’unicité de son style, une caractéristique qu’on comprend plus quand on apprend que Tanc a grandi avec le graffiti. Il considère que l’art de la rue est éphémère et que l’action est plus importante que le résultat. Pour lui « artiste est un mode de vie », l’investissement doit être total et l’intégrité absolue. Au début des années 2000, il se concentre sur un travail d’atelier et se démarque tout de suite des graffeurs traditionnels par son travail basé sur le trait. Une recherche sur la synthèse. D’abord de son nom, puis de celle des tags en général, puis des personnes, de la musique, et pour finir de son sujet préféré : la vie.

Essentiellement basé sur le trait, son travail ne cherche pas à être parfait mais plutôt spontané. C’est l’état dans lequel il est qui va définir sa densité et sa rigueur. Son rythme cardiaque actionne son bras à la manière d’un métronome, il ne doit pas essayer de contrôler ce flux mais juste de comprendre la composition qu’il fait apparaître en équilibre entre son conscient et son inconscient. Il compose sa musique et ses toiles d’une manière spontanée.

Il est dense ou léger, rigoureux ou déstructuré, Tanc ne joue pas, il vit son art. Il signe ses toiles « Tanc » comme il signe les murs de ses tags depuis l’adolescence. Cette discipline est d’abord l’exutoire instinctif d’un besoin d’expression : il se réapproprie l’espace urbain en criant son nom à la ville avec force.

Bientôt, les lettres disparaissent et Tanc s’engage dans une recherche formelle abstraite. En concentrant son travail sur le trait et la couleur, il renouvelle la recherche picturale classique en la confrontant à la vivacité première de l’art de la rue : prépondérance de l’action, perfection du geste, acceptation de l’aléa et expression d’une singularité forte. Avant tout, ses œuvres frappent par leur intensité, leur musicalité et la vibration des lumières et des matières. L’action, l’énergie et l’émotion de l’artiste touchent le spectateur de la façon la plus sensuelle, intime et immédiate.

Tanc compte de nombreuses expositions collectives et individuelles, notamment en Allemagne (Skatlizers Contemporary Art), à New York (Catherine Ahnell Gallery), en Angleterre (The French Art Studio) et au Maroc (David Bloch Gallery). Il a également participé au Mois de la francophonie à l’Institut français de Beyrouth en 2013.

Entretient de l’artiste par Judith Peyrat

Aussi subjectif que cela puisse paraître, peux-tu rapidement décrire ton parcours ?

Mon parcours commence enfant, je découvre la peinture par plusieurs biais… l’un d’entre eux me parle et me donne l’envie d’en réaliser, c’est le graffiti. Je commence à beaucoup peindre, au départ des formes abstraites, des traits, couleurs et effets… pour en venir à exister dans ce milieu en écrivant mon nom. 
Mes premières expositions se situent début 2000 avec l’engouement que commence à susciter le Street-Art. À cette époque, je suis récemment diplômé d’un Master en Direction artistique et le choix de suivre le rêve ou la raison se pose. Je choisirai le rêve. Après la rencontre avec Jean Faucheur et nos collages d’affiches avec le collectif « Une Nuit », je m’entoure de mes amis les VAO pour prendre un atelier à la forge de Belleville. Les expositions se suivent à rythme régulier, les premiers voyages, résidences… Je ne gagne pas beaucoup d’argent mais il me parait si facilement gagné face à la vie que je mène. Je peins et fait la fête, partout, tout le temps. Je veux tout vivre ! Sept ans se passent et je termine par partir avec L’Atlas dans un nouvel atelier aux Lilas. Une nouvelle ère. Je deviens plus consciencieux, plus sérieux, plus pro. Le rêve était devenu réalité, il fallait penser à de nouveaux objectifs. C’était il y a six ans. Aujourd’hui, je continue mon chemin dans le monde de l’art au fil des expositions et des rencontres. C’est amusant, plus je me rapproche de mon objectif plus j’ai l’impression que la route est longue. Life is a performance !  

On observe un intérêt particulier pour le geste dans tes œuvres, quelles sont les influences derrière cette primauté à l’action ?

Bien qu’amoureux de différents types de représentation dans l’art, je me sens en phase avec l’Action painting et l’abstraction lyrique. L’émotion qui résulte dans sa pratique n’a pas d’égal pour moi. Le geste y est prédominant et singulier. Il est, même dans un schéma établi, la touche humaine, transmission du peindre au spectateur à travers les époques. Instants figés à jamais. C’est cette intimité qui m’intéresse dans le geste. 

Pour toi, le plus souvent l’action prime sur le résultat, à quel moment de la création choisis-tu de privilégier l’un ou l’autre ?

L’action prédominant sur le résultat et devenue une philosophie de vie pour moi. C’est le départ de ma production. Je pense que trop de connaissances et de réflexions en histoire de l’art et trop de réflexion à trouver un nouveau concept pour s’intégrer à l’art institutionnel en France (art contemporain), cloisonne dans une réflexion qui est rarement constructive. Je suis un peintre conceptuel, mais le rapport à la matière est primordial pour moi. Je n’adhère pas à ce que l’idée suffise à être artiste et que la réalisation n’est qu’artisanat. 
L’action est concrète. Elle ne triche pas, brise les rêves et conforte les acquis.
Elle est le chemin, l’expérience, qui apporte la maturité.
Le résultat est déterminé plus par une adéquation entre l’idée que j’ai du rendu de l’outil employé et son rendu final. C’est encore dans l’action que je vais trouver le plaisir de trouver les aléas qui vont donner le prestige du résultat. Il sera, qui plus est, encensé et détesté, parfois par les mêmes personnes à travers le temps. Le beau étant révolu dans l’art contemporain, les goûts évoluent à travers les concepts et les processus. Le mien étant de privilégier l’inconscient dans ma création. Je préfère réfléchir au résultat avant et après l’action.  

D’abord du lettrage, tu es passé à des formes plus abstraites, était-ce la suite logique de ta démarche ?

Mes recherches, depuis que je travaille en atelier, vont vers l’abstraction, j’y trouve plus d’émotion. Dans la rue, c’est différent. L’impact des lettres a une autre résonance. Mais les frontières restent floues pour moi. A quel moment une lettre devient-elle forme abstraite ? C’est là que je m’amuse à trouver les limites en y intégrant de nouvelles inspirations de mes voyages, revenant plusieurs fois sur mes traits, grattant la toile, créant volume, profondeur et vibration picturale.
Il ne faut pas oublier que ma démarche est de peindre par processus où je laisse mon inconscient s’exprimer. Sorte d’état entre la transe et la méditation, une thérapie pour moi (un petit peu comme Sam Francis à l’époque).
Plus je me laisse de spontanéité, plus je me laisse aller, plus la peinture sera bien effectuée (belle). La confiance en moi est primordiale. Comme le calligraphe, j’ai répété mon geste, je dois être sûr, ne pas réfléchir. Juste apprécier les aléas des formes qui en découlent.

Est-ce que l’expérience influence ton travail ? Comment cela nourrit ta création et se reflète dans tes réalisations ?

L’expérience influence mon travail à travers mon être, intellectuellement aujourd’hui, physiquement demain ? Je pense à Hans Hartung que j’aime tant. La confiance en soi s’acquiert au fil du temps. Les sensations que m’ont apportées la vie ont souvent eues des impacts dans ma peinture. Je repense à des ruptures qui ont été très profitables d’un point de vu pictural. J’aime que ma peinture soit le reflet de ma vie. Ma série Variations en est le parfait exemple. Un trait fait d’un geste synthétise mon état émotionnel en remplissant la toile. Sorte d’électrocardiogramme de l’instant vécu lors de l’action. 

Quels sont les artistes qui pour toi ont eu une importance majeure dans ta recherche artistique ou qui ont attiré ton attention récemment ?

J’ai commencé à vouloir peindre en découvrant le graffiti et des artistes comme Dondi et Futura 2000. Puis, je me suis intéressé à l’Histoire de l’Art et je suis tombé sur l’Expressionnisme Abstrait et l’École de New York. De l’action painting de Franz Kline à la plénitude de Mark Rothko. C’était fait, mon art partirait de ces deux mouvements. À la suite de ça, des artistes comme Bernard Frise, Simon Hentaï, Henri Michaux ou Christopher Wooll m’ont inspiré. Depuis 4 ans, je suis aussi très friand de peinture coréenne, Dansaekhwa avec des artistes comme Park Seobo, Chung Chang Sup, Lee Seung Jio, Lee Bae.
J’ai aussi un regard sur le futur et suis beaucoup ma génération. Des artistes comme KR, Pablo Tomec, Erosi, Revok. Il y en a tellement…

On parle souvent de ta recherche sur la synthèse, peux-tu nous en dire plus ?

J’ai commencé à travailler sur la synthèse des tags, ou plutôt sur leur énergie. Je voulais la retranscrire sans reproduire les toiles déjà réalisées dans les années 80.
Par ce biais, je me suis rendu compte que je pouvais synthétiser les lumières, les émotions, les fréquences qui m’entouraient par des traits et des couleurs.
La synthèse m’a poussé au minimalisme, puis à l’étendre au maximalisme (reproduction du même motif sur tout l’étendu du format).

Penses-tu que la collaboration entre artistes joue un rôle important dans ta pratique ? (Tu partages ton studio avec l’artiste L’Atlas, mais également dans le monde du street art, crew, etc)

La collaboration entre artistes est importante d’un point de vue moral. On se sent souvent isolé, tourmenté de savoir si notre art suscite et suscitera assez d’enthousiasme pour qu’il soit conservé et restauré. C’est dans ce sens qu’il est nécessaire de discuter de nos réflexions et célébrer nos réussites. Être reconnu par ses pairs et ses confrères est plus important pour moi que quelques tableaux vendus.

Pour ce qui est de réaliser des œuvres à plusieurs je suis plutôt sceptique… à part certains projets comme avec Steph Cop pour la biennale de Marrakech 2016 ou L’Atlas avec qui nous partageons nos critiques pour réaliser des toiles à quatre mains. Il est souvent difficile d’être dans le partage plutôt que dans la compétition. Les artistes ont de forts égos, ce n’est pas toujours facile à gérer…

On te relie souvent au mouvement Graffuturism, concèdes-tu appartenir à ce mouvement ?

Je ne me considère vraiment dans aucun mouvement, l’avenir nous le dira… 
J’ai cru au début au Graffuturisme car je trouvais que le Street-Art (qui est à l’origine un groupe d’une vingtaine d’artistes dans le monde) était devenu une niche où l’on casait tout et n’importe quoi. Malheureusement c’est devenu très vite la même chose. En gros, ces mouvements qui partent d’artistes issus du graffiti ayant eu une réflexion pour aboutir sur une nouvelle forme d’art se font à chaque fois polluer par des artistes arrivistes qui sont juste dans la forme. Aucun « background » ni fond. 

Te fixes-tu des limites dans l’utilisation des médiums ?

Je n’ai comme limite dans l’utilisation des médiums que leur maitrise.
En tant qu’autodidacte, j’ai testé beaucoup de choses. Souvent avec réussite mais parfois avec des loupés, souvent avec le temps. Cela m’a dirigé dans leur utilité. Aujourd’hui, je continue mes recherches mais je n’hésite plus à faire appel à un spécialiste pour apprendre. Il est important de connaitre ses capacités. L’orientation de l’utilisation d’un outil et l’importance de se faire assister ou pas.
J’ai commencé à peindre à la bombe de peinture il y a vingt ans de ça et il reste de loin mon outil de prédilection. Une extension de mon être. Peindre sans toucher le support, c’est une sensation inégalée pour moi. 

Comment vois-tu l’institutionnalisation des pratiques artistiques (ou même plutôt de la tienne plus particulièrement) en milieu urbain ?

Je suis pour la reconnaissance des pratiques artistiques par les institutions, au musée comme dans l’espace publique. Mais en même temps, je suis un défenseur d’actions sauvages, souvent illégales. Les risques pris et la rapidité d’exécution donne une touche plus romantique à mon goût. Il ne faut pas oublier que je privilégie l’action au résultat. Dans les villes, les gens ont besoin de s’évader, l’art et un très bon moyen. Je pense au bonheur que j’ai de passer devant des graffitis depuis que je suis enfant… ça a changé ma vie. 
Les institutions suivent aujourd’hui le marché de l’art. Avec la monté spéculative qu’engendre le Street-Art, il faut s’attendre à en voir de plus en plus autour de nous. Il a déjà été exposé au Grand Palais, au Palais de Tokyo et au centre Pompidou … 
C’est le parcours de toute pratique et tout artiste. Après ce sont des cycles. Il y aura toujours des jeunes qui viendront casser les barrières établies pour que l’art ne soit pas qu’institutionnel. L’art est générationnel, chacun le sien. 

L’idée du vandale effectuant un tag, est-ce toujours le cas ou est-ce que c’est pour toi plutôt devenu un imaginaire lié à cette pratique ?

On ne peut pas tricher avec la peinture et encore moins avec le tag. C’est facile de savoir qui fait quoi, il suffit de sortir dans la rue. Donc, non ! ça n’a rien d’imaginaire. Après, je suis loin d’être aussi accro que certains ou même que plus jeunes. Écrire son nom illégalement m’a amené là où j’en suis et je veux rester sincère avec cette démarche (je ne parle pas du plaisir que je prends à l’effectuer). 
La réalité est que ça apporte une force à mon travail d’atelier que je perds si je n’y retourne pas. 

Tu es aussi musicien, tout cela trouve-t-il un point de reliure dans ta création, ou peux-tu nous en dire plus à ce propos ?

J’ai toujours été fasciné par la musique ! C’est l’art le plus facile à apprécier, pas la peine d’intellectualiser. On la ressent physiquement.
Tout le monde vous donnera son avis sur un morceau ou un genre de musique, il en sera tout autre pour la peinture… Par contre, en jouer d’une manière autodidacte est assez difficile. J’ai dû trouver les bons instruments pour arriver à en réaliser seul. Nous sommes début des années 2000, la musique est en majeure partie produite par ordinateur. Lassé d’avoir trop travaillé avec cet outil durant mes études de graphisme. Je cherche dans les magasins de musique de Pigalle les différentes options qui s’offrent à moi. Je déciderai de m’acheter une première machine (séquenceur, boîte à rythme, synthétiseur). Je trouve fascinant de travailler la musique en direct. Sentir l’électricité devenir fréquence, onde, note… Sans m’en rendre compte, ces recherches sont en train d’influencer ma peinture dans une recherche abstraite et compléter mon personnage. Je ne cesserai dès lors de travailler ces deux disciplines en parallèles. Je dis souvent que mon bras est actionné par mon cœur comme un métronome qui retranscrit mes émotions. Je peins ma musique intérieure.

Quels sont tes projets en cours ou collaborations, expositions, nouveaux travaux à venir ?

Je suis toujours sur plusieurs séries de peintures, certaines seront visibles bientôt, d’autre dans plusieurs années. 
Pour en voir, c’est actuellement à la Loo&Lou galerie à Paris, puis à partir du 18 janvier au côté de L’Atlas à la COX galerie de Bordeaux. En février, à la galerie Brugier Rigail pour une exposition collective et au printemps en Allemagne pour la biennale d’Art Urbain… 
Pour les collaborations, les tissus Olivade vont sortir trois motifs de ma création et j’ai des projets d’éditions de parquets et de moquettes.
Plusieurs livres, lithographies et sérigraphies sont aussi en cours.

As-tu un endroit où tu rêverais d’exposer / de travailler ?

Je me sens très proche de l’Asie et bien qu’ayant déjà exposé et travaillé là-bas, je pense que c’est là que mon cœur me guiderait actuellement. Sinon, New York et Paris restent à mon sens les meilleurs endroits pour capter les nouvelles tendances et s’insérer dans le monde artistique.

Qu’est-ce que l’art pour toi (commençant par : « l’art, c’est… ») ?

L’art, c’est la possibilité de transformer actions et matières en réflexion. De questionner et fédérer les gens sur le monde qui nous entoure. L’art c’est une religion aujourd’hui, et les grandes expositions sont les messes où tout le monde se presse en quête de réponses et de mysticité. 
Mais pour moi qui suis dans l’action, c’est avant tout un équilibre et une thérapie. Ma raison d’être.

© Dominique Lacloche

Dominique Lacloche

Née à Rome en 1960, Dominique Lacloche vit et travaille à Paris et à Londres.

En 1983, elle entre à l’École supérieure des Beaux-Arts de Paris et mène, en 1985, son premier projet artistique, en Afghanistan. Dans ce pays en guerre, elle peint pendant des mois combattants et réfugiés afghans puis expose à Londres. Cette expérience marque le début d’une longue série de voyages à la rencontre des populations, notamment en Asie et en Afrique.

Peintre, Dominique Lacloche s’intéresse déjà aux éléments naturels et poursuit de longues recherches autour de la fabrication de ses couleurs, qu’elle crée à partir de pierres, de roches, de plantes et de différentes matières organiques.

Au début des années 2000, l’artiste découvre la Gunnera Manicata, feuille végétale de dimensions gigantesques et vieille de plusieurs millions d’années. Elle part à la rencontre de la photographie, la vidéo, l’installation, la sculpture et commence à développer une réflexion sur la notion de perception.

Bien plus qu’un simple support, les feuilles de Gunnera sont des entités vivantes avec lesquelles Dominique Lacloche collabore. « Le végétal est un collaborateur silencieux que j’essaie d’entendre. Je n’impose pas ma vision sur ces feuilles mais la compose avec elles », commente-t-elle. Et d’ajouter au sujet de ses impressions argentiques sur feuille de Gunnera : « mes compositions abstraites sont une interprétation, un prolongement de celles que constituent en elles-mêmes les feuilles ».

Face à ces grandes feuilles végétales faisant oeuvre, l’on pourrait croire que la technique de l’artiste est picturale. Sans doute, Dominique Lacloche aborde-t-elle ces compositions avec le regard de peintre qu’elle a initialement formé. Mais la technique photographique se révèle à l’oeil attentif : sur ce support inattendu, l’oeuvre lui rappelle alors que la lumière est son principe même. À côté de ces grandes « photographies végétales », un objet éclaire encore leur création : dans une boîte qui accueille des négatifs reproduits sur des films transparents en mouvement, apparaissent des paysages dont on reconnaît des fragments abstraits dans les feuilles à une autre échelle.

À Paris, elle présente ainsi lors de Nuit Blanche 2013 l’une des installations les plus remarquées : Un degré plus haut. Une installation monumentale, composée de quarante-deux sculptures aériennes en résine s’élevant en spirale sur 55 mètres vers le haut de la coupole de l’Eglise Saint-Paul-Saint-Louis ; un immense mobile faisant lentement osciller sous l’influence de l’air de grandes feuilles de Gunnera dépouillées de leur matière organique, dans une lumière jouant sur les ombres et les superpositions.

Paul de Pignol

Paul de Pignol est né en France en 1965. Il vit et travaille entre Paris et Montigny-sur-Loing.

En 1984, il entre à l’ École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris dans l’atelier de peinture de Pierre Carron. Il réalise sa première sculpture Fille au Ballon en 1989, inspirée par les Vénus de Lucas Cranach. Peu à peu la sculpture s’impose dans son travail.

À partir de 2010 le dessin prend une importance particulière lorsqu’il décide de lui consacrer un atelier spécifique à Paris. Dès lors une parenté s’instaure comme une évidence entre ces disciplines. Qu’il sculpte ou dessine, Paul de Pignol révèle un processus unique : une plongée dans la substance intime de l’être. Son travail se concentre principalement sur la figure féminine autour de thématiques universelles : la naissance, la vie, la mort. À travers l’exploration du corps féminin il interroge sa fonction, sa masse, sa composition, sa décomposition et sa présence dans un va-et-vient entre le dedans et le dehors.

Les dessins de l’artiste sont le prolongement d’un travail de recherche sur les volumes où il perpétue le geste du sculpteur en posant la lumière par petites touches d’effacement de matière. Les corps ainsi révélés possèdent une présence spectrale.

Depuis 2017, et après des années d’échecs, de rejets et d’errances, Paul de Pignol trouve un langage pictural complémentaire à ses recherches. Son exposition Né du Limon chez la galerie Loo & Lou en 2019 est la résultante de cette quête. Principalement orientée sur le thème du paysage, influencé par la proximité de son atelier avec la forêt de Fontainebleau, l’artiste ne s’écarte pas pour autant de ses obsessions antérieures. L’idée que toute vie puisse naître de la pourriture et de la putréfaction le hante et le fascine toujours. Il en obtient des paysages organiques mouvants. On y sent la tourbe et l’humus. On est proche du Golem. Cette exposition avait réuni pour la première fois des dessins, des sculptures et des toiles, ce qui représente pour l’artiste, tant au niveau du sujet qu’il traite que par la multiplicité des médiums utilisés, un renouveau jouissif et fertile.

JOHAN VAN MULLEM

Johan Van Mullem est né au Congo en 1959 de parents belges. Il grandit en se déplaçant à travers le monde grâce aux diverses affectations diplomatiques de ses parents, dont un séjour de sept ans en Tunisie. L’artiste a toujours été autodidacte. Il a commencé à dessiner à l’âge de cinq ans et n’a jamais cessé, suivant les traces de son père et de son grand-père. Ses racines familiales se trouvent dans la ville de Bruge, puis à Bruxelles où il a poursuivi ses études d’architecture. Plus tard, Johan a commencé à explorer la gravure et la peinture. Aujourd’hui, il peint à l’encre de gravure et est considéré comme l’un des seuls artistes à utiliser ce support pour créer des tableaux.

Depuis sa jeunesse, Van Mullem a persisté dans sa recherche des visages ridés, cherchant la beauté qu’il reconnaissait dans l’expérience qui est « gravée » sur les visages et dans les mains. Depuis lors, le visage reste le sujet majeur de son œuvre. Les sujets apparaissent rajeunis, disparaissant ou émergeant dans un halo de lumière dans un sfumato à l’ancienne, offrant une évasion dans un monde d’émotions. Son œuvre est une invitation à l’introspection et à un voyage dans une charge émotionnelle omniprésente dont on ne peut se séparer avec indifférence, effet de la profondeur déconcertante de ses tableaux.

La superposition et l’effacement de nombreuses couches lisses d’encres diluées accentuent encore le sentiment de voir sur la toile une présence indescriptible. Van Mullem a maîtrisé cette technique spécifique et unique par auto-apprentissage, exécutant ses pièces à l’encre de Chine dans le prolongement de son expérience de graveur, ce qui confère à ses œuvres un caractère supplémentaire et singulier.

Artiste aux multiples facettes, designer, poète, musicien, peintre et sculpteur, Van Mullem s’efforce de créer une œuvre diversifiée mais absolument cohérente qui jette des ponts pour relier et éveiller nos sens. Bien que ses œuvres soient contemporaines, elles peuvent suggérer des références à des chefs-d’œuvre historiques.

Ses tableaux font partie d’importantes collections privées et de musées dans toute l’Europe. Il a organisé des expositions personnelles dans des galeries d’art situées à Londres, Paris, New York et Bruxelles. Ses œuvres ont été exposées dans divers musées européens.

JEAN-CLAUDE WOUTERS

Les mains vides,
je tiens en main une bûche.
Je vais à pied,
mais chevauchant un buffle.
Je passe un pont,
mais voilà que le pont coule,
et l’eau ne coule pas.

– Hakuin XVII

Jean Claude Wouters (né en 1956) est un artiste belge qui a vécu et travaillé à Bruxelles, Paris, Tokyo, Italie, Dubaï et Los Angeles. Il a étudié le dessin dès son plus jeune âge, puis le ballet, la réalisation de films et divers arts du spectacle.

Wouters a toujours été très sensibilisé par la nature du corps et de l’esprit. Il travaille à l’aide de trois appareils photo analogiques : un 135, un polaroid et un moyen format 67, et utilise des négatifs 6×7 afin d’éviter du grain photographique sur ses images. Il demande à ses sujets de faire face à une fenêtre, n’employant que la lumière naturelle pour les éclairer. Après avoir développé et imprimé cette image originale, il la rephotographie en utilisant une forte lumière du ciel qui se reflète dans l’ouverture de son objectif. Il répète ce processus plusieurs fois afin de superposer des couches de lumière, qui effacent progressivement l’apparence de la personne. Le négatif final est imprimé dans la chambre noire sur du papier baryté mat de 80 x 100 cm, un exemplaire unique qui est ensuite traité au sélénium à des fins de conservation, une méthode similaire à celle utilisée pour préserver les photographies prises au XIXe siècle. Ce négatif est ensuite plongé dans du sable et placé dans une petite boîte en bois qui accompagne le portrait.

Dans son début de carrière, après avoir étudié et dansé avec Maurice Béjart et Lindsay Kemp au début des années 80, Wouters a commencé à travailler comme artiste de scène et comme cinéaste indépendant. Son travail a été sélectionné par le British Film Institute, l’Université de Tsukuba au Japon, la Quinzaine des réalisateurs au Festival de Cannes en 1981 (Brian Eno – Music for Films), et a reçu plusieurs prix dans des festivals internationaux de cinéma, à New-York, San Francisco, Paris, Prague, Téhéran et Montréal. Il a travaillé pendant de nombreuses années à Paris comme cinéaste et photographe de mode, sa spécialité étant la beauté de la femme exprimée de manière simple et naturelle.

Il a collaboré entre autre avec Lancôme, Chanel, Yves Saint Laurent et plusieurs marques de luxe mais aussi avec le créateur de mode Marc Jacobs pour ARTREAGEOUS chez Bloomingdale’s (New York, 2007). En 2011, il a présenté CRINOLINE MAN au musée LACMA (Los Angeles), et SHADOW WALKER au musée MOCA (Tucson, AZ). En 2012, il a reçu la bourse de la fondation POLLOCK-KRASNER à NYC.

AURÉLIA JAUBERT

Depuis ses premiers tableaux composés de mortiers colorés intégrant des collages de ses propres photographies jusqu’à ses récentes tapisseries, Aurélia Jaubert a été fascinée par la métamorphose des images, leur passage d’un support à un autre, les illusions qu’elles engendrent.

Elle a progressivement quitté la surface traditionnelle du tableau pour des compositions hétérogènes, sortes de mélange utopique pour réfléchir les crises historiques de la représentation.

Elle privilégie le mélange, le détournement : peinture, textile, photographie, image numérique, collage, couture, sculpture, son, musique, lumières trouvent chez Aurélia Jaubert une légitimité originale à être empruntés et montés… Anoblir les restes, s’intéresser aux moindres manifestations de la nature (reflets, bulles, ombres, traces…) et les réinsérer dans un cycle de métamorphoses qui efface la valeur d’usage et réinstaure une inattendue valeur esthétique, autant de gestes d’une collectionneuse que ceux d’une artiste qui reste toujours fidèle à l’image.

Rêver sur le destin fantastique des petits accidents ou objets de la vie quotidienne, bavures, taches, coulures, débris colorés, bandes magnétiques déclassées, vieilles bouées de piscine, échantillons de tissus… Autant de ruines modernes à partir desquelles Aurélia Jaubert, herboriste du bitume, tente de réinventer des images élégantes, étonnantes, saugrenues, inédites.

—Dominique Païni, Critique et commissaire d’expositions indépendant, Directeur du Centre Pompidou (2000-2005), Directeur de la Cinémathèque française (1990-2000)

Expositions collectives (sélection) :
2022 La Ronde, Musée des Antiquités et Musée de l’éducation, Rouen
Mon voyage à travers les tapisseries de 1520 à 2020, Galerie Jabert, Aubusson
2021 L’Assemblage, une pratique médiumnique, Le 19 – Centre régional d’art contemporain, Montbéliard
Musée TAMAT, Tournai, Belgique
Musée d’art et d’industrie, La Piscine, Roubaix

FRED KLEINBERG

Fred Kleinberg est né en 1966 à Paris. Formé à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris (ENSBA), il expose son travail depuis 1985 en Europe, aux États-Unis, en Inde et en Chine.

Il procède par séries. Chaque nouvelle série s’accompagne naturellement, intuitivement de voyages. Artiste globe-trotter, il est sélectionné pour de multiples résidences d’artiste : la Villa Médicis à Rome en 1996 en collaboration avec la romancière Kits Hilaire, le Musée d’art contemporain de Moscou en 2001, Art Résidence of Pondichéry en 2004 en Inde, en Chine en 2010 en collaboration avec la Hong Merchant Gallery de Shanghai et en Inde en 2018 au sein de l’université de Shantiniketan. lI est lauréat de nombreux prix de peinture : le prix du Salon de Montrouge en 1998, le prix de la fondation Coprim en 2000, le prix de la fondation Taylor en 2008, le prix de la fondation Charles Oulmont en 2008 et le 1er prix d’art contemporain de Monaco en 2014.

Ses principales expositions retracent ces séries thématiques : « La mémoire au corps » à la Fondation Coprim à Paris en 1999 ; «D’obscénité et de fureur» au Passage de Retz à Paris en 2002 ; «Made in India» à Koehnline Museum of Art à Chicago, USA en 2006 ; «Baroque Flesh» à la galerie Polad-Hardouin à Paris en 2011 ; «Territoire d’héroïsme et de fureur», sa première exposition rétrospective, à la galerie Messine à Paris en 2012 ; « Reborn project » à la galerie Frank Pages à Genève, Suisse en 2015 ; « Odyssée » à la foire ART Elysées à Paris en tant qu’invité d’honneur en 2017.

Fred Kleinberg vit et travaille à Paris.

Composition II (2021) Diptyque en céramique, L 95 x I 61 cm (chacune) © Louise Frydman

LOUISE FRYDMAN

CATHERINE WILKENING

« Comédienne depuis l’adolescence, un jour, en 2002, la nécessité de mettre les mains dans la matière s’impose à moi, la terre me devient aussitôt vitale. Je me lance dans la sculpture avec un instinct primaire, animal, guidée par une impulsion profonde irrépréhensible. L’exploration est souterraine et organique, mon travail est physique, sensuel, jouissif. L’intellect ne rentre pas en jeu, pas de plan conceptuel, ce qui passe par la tête n’est déjà plus, juste le lâcher prise et faire corps avec la matière vivante. C’est un saut dans le vide.

Mon travail se nourrit depuis toujours de la figure féminine, avec pour thème obsessionnel : la naissance, le chaos, la mort, la renaissance – l’impermanence – ou bien encore la dévoration, le cannibalisme, sujet que j’aborde en 2019 à travers mes sculptures de porcelaine pour Art Paris au Grand Palais avec la galerie Loo & Lou. Aujourd’hui, traversant ces longues périodes de confinement, dans un climat extérieur anxiogène, j‘éprouve la nécessité de me connecter au lumineux, au spirituel, à l’élévation, au transcendantal, de travailler sur la répétition, le multiple, le fourmillement, l’infini, l’infiniment monumental dans l’infiniment minuscule, comme des mantras qui apaisent et endorment les agitations cérébrales, comme de larges respirations – de construire à partir du chaos, à partir de fragments de sculptures avortées ou à l’abandon, et leur donner un nouveau souffle de vie… De ces longs mois de gestation sont nées d’immenses madones immaculées de porcelaine, parées d’or, de verre de Murano, couronnées de roses, d’épines, de racines… » 

— Catherine Wilkening

Être en Nature, 2020, Marbre blanc grec, 53 x 41 x 18,5 cm / Image : Alberto Ricci © Benoît Luyckx

BENOÎT LUYCKX

Decoration of the Youth, charcoal, pastel, ink and oil on Belgian linen canvas, 200×250 cm, 2019, ©Andile Buka

NELSON MAKAMO

Nelson Makamo vit et travaille à Johannesburg. Il est né en 1982 dans la ville de Modimolle, dans la province du Limpopo en Afrique du Sud. Montrant une étonnante aptitude artistique et un intérêt pour le dessin et la peinture, il a perfectionné sa pratique artistique à l’Artist Proof Studios de Johannesburg où il a étudié pendant 3 ans.

Makamo a montré son travail dans des expositions collectives et individuelles en Afrique du Sud, en Europe, en Angleterre et aux États-Unis, lui permettant ainsi de voyager et de travailler dans divers endroits. Il a participé à plusieurs expositions de groupe notamment aux côtés d’autres artistes sud-africains, dont David Koloane, Colbert Mashile, Deborah Bell et William Kentridge.

Le travail de Nelson est particulièrement inspiré et influencé par l’innocence des enfants des zones rurales sud-africaines. Ils incarnent pour lui la paix et l’harmonie auxquelles nous aspirons tous. Pour lui, la joie et la simplicité avec laquelle les enfants perçoivent la vie et les rapports humains résident encore en chacun de nous. Ainsi, il souhaite faire revivre ces notions oubliées chez le spectateur.

Le travail de Nelson Makamo fait partie de plusieurs collections telles que celles de l’icône de la mode Giorgio Armani, de la musicienne Annie Lennox, de Hanzehof Zutphense Kunst Collectis, du DJ Black Coffee, du producteur Swizz Beatz, de la célèbre Oprah Winfrey et de la réalisatrice Ava Duvernay. Plus récemment il a été invité par cette même réalisatrice à faire la couverture de l’édition spéciale du TIME de Février.

EXPOSITIONS

2018
FNB Joburg art fair, Stand Ll Editions, Johannesburg, Afrique du Sud.
The Re-awakening, CIRCA Gallery, Le Cap, Afrique du Sud.
1:54, Exposition collective, Stand GAFRA Gallery, Londres, Angleterre.
2017
1:54, Stand GAFRA Gallery, Londres, Angleterre.
No Commission, Dean Collection, Berlin, Allemagne.
We are the souls of Azania, GAFRA Gallery, Londres, Angleterre.
Salon Zurcher Africa Art Fair, exposition collective, Zurcher Gallery, New York, États-Unis.
DDESSIN17, foire de dessin contemporain, exposition collective, Atelier Richelieu, Paris, France.
Fuir, exposition collective, Fondation Blachère, Apt, France.
Résidence, Fondation Blachère, Apt, France.
2016
Dipôlelo, Galerie Fatiha Selam, sous le commissariat Anna Reverdy, Paris, France.
Post It, exposition collective, Constitution Hill, Johannesburg, Afrique du Sud.
Résidence, SAFFCA Fondation, Saint-Émilion, France.
2015
1:54, exposition collective, Stand CIRCA Gallery, Londres, Angleterre.
2014
Everard Read, Le Cap, Afrique du Sud.
Everard Read, Johannesburg, Afrique du Sud.
FNB Joburg art fair, exposition collective, Stand Everard Read Gallery, Johannesburg, Afrique du Sud.
Winter, exposition collective, Everard Read Gallery, Le Cap, Afrique du Sud.
2013
Salon 91, Le Cap, Afrique du Sud.
2012
Figuring differences, exposition collective, Andrew Lamprecht commissaire d’exposition, salon 91, Le Cap, Afrique du Sud.
Les 21 ans de Artist Proof Studio, exposition collective, Johannesburg Art Gallery, Afrique du sud.
2011
Museum of Africa, Johannesburg, Afrique du Sud.
2010
Young Contemporaries, exposition collective, Galleria Nikki Diana Marquardt, Paris, France.
2009
Sharing Realities II, African Studies Centre, Leiden, Pays-Bas.
Walking with Me, UTS Gallery, Edinburg, Écosse.
A Place I Call Home, Gallery on the Square, Johannesburg, Afrique du Sud.
City Link, exposition collective, Gallery 23, Amsterdam, Pays-Bas.
Gallery on the Square, exposition collective, Sandton, Johannesburg, Afrique du Sud.
2008
Moving into Light, KZNSA Gallery, Durban, Afrique du Sud.
Sharing Realities, Gallery Izarte, Zutphen, Pays-Bas.
2007
Cultural and Business Art Exhibition, exposition collective, Somma Lombardo, Italie.
Making Identity, exposition collective, The Thompson Gallery, Johannesburg, Afrique du Sud.
2006
Ten Years of Printmaking, exposition collective, David Krut Print Studios, Johannesburg, Afrique du Sud.
2005
Walk with me, Obert Contemporary Art Gallery, Johannesburg, Afrique du Sud.

TONY SOULIÉ

Tony Soulié est né à Paris en 1955, d’origine albigeoise. Touche à tout prolifique, à la fois peintre, performer et photographe, Tony Soulié compte parmi les artistes importants de sa génération. Il expose depuis 1977 à Paris et en province, en Europe et à travers le monde, principalement au Japon, Etats-Unis, Corée, Amérique du Sud. Un long parcours d’interrogations sans cesse renouvelées sur la représentation, la spiritualité de l’image et l’espace-temps.
Plus de 300 expositions personnelles lui ont été consacrées et son travail est régulièrement montré dans les principales manifestations internationales.

L’artiste n’a pas non plus oublié le « Lapérouse » de son enfance, ni tous ces explorateurs partis traquer l’inconnu. Ils rapportèrent entre autres des « Fleurs et Florilèges », recueil des plantes et fleurs ignorées mais plus pour longtemps: « colonisées », circonscrites, entravées. Il cherche la fleur non répertoriée.

Prix et distinctions :

Lauréat en 1987 de la Villa Médicis « hors les murs », à Naples qui le rapprocha du Vésuve, l’amenant à travailler sur les volcans Island, Hawaii, Etats-Unis…
Prix du Salon de Montrouge en 1995.
Chevalier des Arts et des Lettres en 2004.

Ses œuvres figurent dans de très nombreuses collections publiques et privées, fondations et musées à travers le monde parmi lesquelles :
la Fondation Peter Stuyvesant, le Musée de la Ville de Paris, le Musée de Belfort, le FRAC d’Ile de France, la Fondation Arbus, la Fondation Bob Wilson à Long-Island États-Unis, le Centre Intermonde et l’Artothèque de la Rochelle, le Musée de l’Industrie de Charleroi en Belgique, The State Fondation on Culture and Art of Honolulu, le Fonds National d’Art Contemporain à La Villette, la Cité des Sciences et de l’Industrie, la Fondation Spiegel à Beverly Hills États-Unis, la Fondation Colas, la Fondation Axa Arche de la Défense, la Fondation Thomson-Franc, la Fondation Rothschild à Paris, la BNP Paribas, la Ville de Paris, Duracel Art Industrie à Miami, le Musée de Toulon, le Shell-Japon à Tokyo, le Palais des Beaux Arts de Bruxelles, l’Institut Français de Thessalonique-Grèce, le Musée Clayarch Gimhae en Corée du Sud, le Musée des Arts de Utsonomiya au Japon, le Musée des Beaux-Arts de Nantes, le Musée National du Luxembourg, le Arte Télévision à Strasbourg, le Musée d’Auvers sur Oise, la Japan Air Line Cie, la Fondation Carré d’Art de Vilniez en Suisse, l’Hôtel Marriot à Séoul, le Musée de Chateauroux, la Bibliothèque Forney à Paris …

TONY SOULIÉ

Florilèges
Exposition du 14.09.18 au 27.10.18
VIDEO : Flowers

Le silence – de la série Vanités, tirage Lambda sur papier chromogène, 120 x 80 cm, photographie 2017, tirage 2018 © JC Ballot

JEAN-CHRISTOPHE BALLOT

Architecte D.P.L.G. Diplômé de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (ENSAD). Diplômé de la FEMIS et pensionnaire de la Villa Médicis en 1991.  L’ensemble de son travail est orienté sur l’espace, que cela passe par des paysages urbains et industriels ou des décors naturels remplis de spiritualité. L’artiste s’installe dans des lieux de mémoire.

« Mes images interrogent la mémoire, elles portent sur l’histoire de ces lieux et de leurs transformations. L’essentiel est toujours un exercice sur le vide qui est au centre de tous mes travaux photographiques et de ma réflexion. Je recherche le temps suspendu, et revendique une photographie contemplative. »

Profitant de conditions exceptionnelles : la montagne, le village de Saorge, la vallée de la Roya et son patrimoine religieux, le parc du Mercantour et la vallée des Merveilles… Il a réalisé un ensemble important de photographies. Son travail navigue entre la nature morte et l’installation. D’un côté développant son sens de la narration (Jean-Christophe Ballot est aussi réalisateur) il réalise des mises en scènes délicates, inventant une histoire qui aurait été là et qu’il aurait découverte par hasard. De l’autre il affirme le geste, l’intervention de l’artiste dans l’espace et donc dans l’image, par exemple en assumant la présence d’accessoires photographiques ou encore par une théâtralité baroque.

EXPOSITIONS

2018
L’impermanence, sculptures et photographies, avec Catherine Wilkening, Loo&Lou Gallery, Paris, France.
L’esprit des lieux (exposition collective), Commissaire d’exposition Susana Gallego-Cesta, Petit Palais, Paris, France.
La photographie française existe… je l’ai rencontrée (exposition collective), Commissaire Jean-Luc Monterosso, Maison Européenne de la photographie, Paris France.
2017
Vanités, rituels funéraires en pays Toraja, Abbaye du Thoronet, Le Thoronet, France.
Paysages français, Commissaires Héloïse Cornésa et Raphaël Bertho, Bibliothèque nationale de France, Paris, France.
2016
Les dormeurs de Saint Denis, Forteresse Pierre et Paul, Saint Pétersbourg, Russie.
Les serres d’Auteuil, Bibliothèque Marmottan, Boulogne-Billancourt, France.
2015
Paysages Australiens, Académie royale des beaux-arts, Domaine de Chaumont-sur-Loire, France.
Œuvre sur l’œuvre, Musée Le Grand Curtius, Liège, Belgique.
2012
Le Musée dans le musée, Musée d’art contemporain de Thessalonique, Thessalonique, Grèce.
2011
Le Louvre transfiguré, Musée national de Damas, Syrie.
2009
Paris-Chicago, Loyola University Museum of Art, Chicago, États-Unis.
2008
Urban Landscapes de Berlin à Shanghaï, Maison européenne de la photographie, Paris, France.
2007
Île Seguin, paysage avec figures absentes, Espace Landowski, Boulogne-Billancourt, France.
2003
La Métamorphose du Louvre, Musée du Louvre, Paris, France.
2001
Mont Athos, Bibliothèque nationale de France, Paris, France.

CLARA DAQUIN

Clara Daquin, travaille à Paris en tant que critique d’art et curatrice indépendante. Diplômée de l’École cantonale d’Art de Lausanne (ECAL) en Arts Visuels et de la Sorbonne en Histoire de l’Art, elle a mené une recherche sur les duos et collectifs d’artistes et plus particulièrement sur le processus créatif à plusieurs mains. Diplômée du master en études curatoriales de l’Université Paris Sorbonne, elle réalise des expositions au sein du collectif Mathilde Expose depuis 2015 : Vertige en terrain plat à la galerie Eva Meyer et à la Fondation Brownstone (2016), No man is an Island au Jardin Exotique et au Pavillon Bosio (2017). Elle a collaboré avec le Palais de Tokyo, le Lafayette Anticipations, la Fondation d’entreprise Galeries Lafayette, la galerie Semiose et l’association La Source. Elle écrit régulièrement pour la presse et collabore actuellement avec The Community, collectif, galerie et plateforme pluridisciplinaire située dans le 10e arrondissement à Paris.

Julia PITAUD

La photographie est la matière première de Julia Pitaud, qui l’utilise plastiquement comme matériau de construction poétique. L’artiste pense le corps à la fois à travers les objets qui l’entourent comme le vêtement, seconde peau de l’être humain et le motif du siège, de l’assise et elle s’y intéresse également par le prisme du déplacement. La Chaise (2015) constituée de chambres à air récupérées, est habillée d’images prises lors de voyages à l’étranger. Deux mouvements constituent la pièce : ceux invisibles, d’inconnus à vélo et ceux personnels, de l’artiste en voyage. La Chaise renvoie à une posture statique impossible puisque l’objet semble pris d’une étrange mollesse : c’est l’œuvre qui se détend et non le visiteur. Paris-Alençon (2016) témoigne d’un geste précis : laisser son manteau en arrivant chez quelqu’un. Le trajet auquel le titre fait référence n’est autre que celui réalisé par l’artiste durant des mois dans le but de rejoindre son compagnon. Les images de Paris font corps avec celles d’Alençon, le tronc de l’arbre avec la jambe du pantalon. En 2016, Julia Pitaud est habitée par l’obsession de récupérer des vêtements usés, ayant appartenu à des personnes qu’elle n’a pas connu et ne connaîtra jamais. Elles les choisit blancs, comme une page vierge, pour y transposer plus facilement ses intentions.

© Coline Chalumeau – Loo & Lou Gallery

NIDGÂTÉ

Pour Nidgâté (Yuyan Wang + Qin Han) le corps est déjà présent dans le nom du duo : Nidgâté dans l’Asie ancienne signifie « mains à la peau rugueuse, sans compétence, ni expertise ». Ce n’est donc par un hasard si le film The Devil In The Details (2017) propose une anthologie de gestes. Sur un fond sonore composé de claquements de doigts, le film montre des gestes sans restriction de genre : une main recueille un papillon, une autre attrape une mèche de cheveux. De ces « compagnes inlassables », Henri Focillon disait : « La main est action : elle prend, elle crée, et parfois on dirait qu’elle pense. ». Dans That Day (2017) le corps au contraire est absent de l’image. Accompagnée d’un extrait sonore issu d’une séance de relaxation dédiée à l’épanouissement personnel, la vidéo présente des déplacements au sein de divers intérieurs. Sur le mode de l’appropriation, les artistes ont collecté des extraits provenant de films d’horreur, où les corps sont absents de l’image mais pas de la narration. L’attente est continue et le film joue sur nos constructions mentales et narratives.

Chloé JULIEN

Dans ses peintures, Chloé Julien, un peu étourdie, se colle du Caramel dans les cheveux (2010) et perçoit la vie comme un éternel recommencement, tel le personnage Sisyphe (2008) destiné à pousser sa pierre en haut d’une montagne, indéfiniment. L’artiste se trouve parfois un compagnon avec lequel partager ses joies comme dans Sur ton dos (2008). Les aquarelles de Chloé Julien dessinent un espace corporel contorsionné, qui se propage, déborde, se dérobe et entre en fusion. L’artiste affirme le chaos comme état permanent. De quel chaos s’agit-il, de quelle tension ? Celle entre l’âme et le corps ? L’âme dans ces dessins se répand, s’immisce, s’insère, envahit à la manière d’une forte émotion. Le corps de Chloé Julien est sans organes : il n’est, en effet, habité que de l’âme. Il est ici représenté par ce qui le constitue entièrement, matières à la fois invisibles et charnelles.

© Émilie Mathé Nicolas – Loo & Lou Gallery

Florian MERMIN

À travers deux sculptures anthropomorphes, Florian Mermin nous invite dans un monde onirique où l’on retrouve l’inquiétante étrangeté freudienne. Bouche d’égouts (2013) semble composée de grosses meringues sucrées, en s’y approchant de plus près, on aperçoit dans le plâtre de drôles de dentiers. Lorsque Florian Mermin s’intéresse au corps c’est toujours pour intégrer une part de rêve dans une réalité très concrète. Ces bouches dépourvues de langage semblent manger ou déglutir et le rose de leur socle ressemble à celui de nos gencives. L’œuvre Peaux (2015) est composée de deux gants en bronze disposés sur un bureau en bois. On ne peut qu’imaginer l’histoire de cette pièce hors du temps : un monstre aurait-il déposé ses mains avant d’entrer ? Ou ces gants servent-ils à cacher des mains rugueuses et laides ?

© Émilie Mathé Nicolas – Loo & Lou Gallery

Inès PANIZZI

Inès Panizzi a réalisé cette série de dessins lorsqu’elle se trouvait au Col d’Allos dans les Alpes du Sud. En pleine montagne, l’artiste pratique le même rituel : elle se lève, fait du thé, y trempe ses feuilles puis sort du chalet pour se promener dans la montagne. Inspirée par sa balade matinale, durant laquelle elle a respiré des centaines de micro-organismes, vu des insectes et des animaux, elle rentre et réalise ses dessins. Durant ces marches, elle crée des liens entre les astres, les êtres vivants et les insectes qui l’entourent et dessine ensuite des éléments presque identifiables : des étoiles, des plantes, des animaux. Ces dessins, comme de petites cosmogonies, font le récit d’interactions entre le proche et le lointain, le minuscule et l’immensité, le macro et le microscopique.

© Émilie Mathé Nicolas – Loo & Lou Gallery